Desnudándolos!

Frida Kahlo. Autorretrato

2010-06-06T19:43:00.000-07:00

En el episodio Las chicas sólo quieren sumar (Girls just want to have sums en ingles), Lisa recorre un pasillo de su escuela y descubre un autorretrato de Frida Kahlo.
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Esta obra tiene el nombre de Autorretrato con mono (1938) y cuenta con su propia historia:

A. Conger Goodyear, presidente del Museo de Arte Moderno de Nueva York, y amigo de Frida, asistió a la primera exposición de ella en el Levy Gallery de Nueva York, en Octubre de 1938. Queria adquirir uno de los autorretratos titulado Fulang Chang y yo, pero como la obra ya estaba separada para otra persona, Frida preparo en una semana un nuevo autorretrato: Autorretrato con Mono.

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Un tercio de la obra de Frida Kahlo son autorretratos, hizo alrededor de 55, por lo que ella misma explicó su tendencia a retratarse así: "Me pinto a mi misma porque estoy amenudo sola, y porque soy la persona a la que mejor conozco."

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Simbolismo:

Plantas y árboles: En este autorretrato la naturaleza es representada agreste y selvática, muy diferente a una atmósfera de paz, quizás por que no fue una inspiración libre sino un trabajo encomendando, algo hecho bajo presión.

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Mono: Animales exóticos como loros, gatos, monos y venados, habitaban La Casa Azul en Coyoacán donde Frida nació y vivió junto a Diego Rivera desde 1929 a 1954. Estas eran las mascotas de Frida y motivos presentes en casi todas sus pinturas. Posiblemente estos animales servían para confortar la soledad y el deseo frustrado de Frida por tener hijos.

Para Andrea Kettenmann los autorretratos "... la ayudaron a hacerse una idea de su propia persona y a crearla de nuevo tanto en el arte como en la vida, al objeto de encontrar una nueva identidad. Esto podría aclarar por qué los autorretratos acusan diferencias tan minimales. Casi siempre con el mismo rostro máscara, que apenas deja entrever expresiones de sentimientos o estados de ánimo, la artista mira de frente al espectador. Sus ojos, cubiertos por las cejas oscuras, sorprendentemente enérgicas, que se unen sobre el nacimiento de la nariz como alas de pájaro, impresionan por su expresividad."

En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde:"Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad".

En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Breton. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con Picasso y a aparecer en la portada del VOGUE francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero.

Hoy por hoy, Frida es un icono, siendo especialmente su forma de vestir (su esposo Diego Rivera le sugirió a que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica) es todo un referente en el mundo de la moda actual, tomada como inspiración para diversas editoriales:

Reportaje publicado en Vogue Alemania en el número de Marzo. Claudia Schiffer metamorfoseada en la artista mejicana Frida Kahlo por Karl Lagerfeld, fotógrafo de esta sesión:

La modelo Maria Carla Boscono para US Harpers Bazaar edición noviembre 2001.Fotografía de Nathaniel Goldberg.

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Otra modelo, Laura Ponte como Frida Kahlo, fotografía de Iris Brosch

Y la actriz venezolana Rudy Rodriguez, también poso como Frida, para la revista Exclusiva de Venezuela.

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Editorial para la revista Dujor:

Editorial del programa Mexico's Next Top Model:

También encontre una editorial con niñas, para un estudio fotográfico:

Y algunas cosas raras, como esta foto de Trek Thunder Kelly para Calvin Klein:

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Frida Kahlo, no solo ha servido como tema para editoriales de moda, sino también para la elaboración de películas y documentales, y ni que decir de la infinidad de libros sobre ella y su arte:

**Título: Naturaleza Viva. Producida por: Clasa World-wide Films (1984)**

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Título: Frida Producida por: Miramax Home Entertainment (2003).

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Tributo de Google a Frida

Frida Kahlo murió en Coyoacán, en la Casa Azul, el 13 de julio de 1954.
Sus últimas palabras en su diario fueron: "Espero que la marcha sea feliz y espero no volver".

Desayuno sobre la hierba - Edouard Manet

2010-03-28T17:46:00.000-07:00

Bien este es el ultimo paisaje porque el pasa Bart. Esta escena pertenece a la obra "Desayuno sobre la hierba", a la que también se le conoce como "Almuerzo sobre la Hierba", del pintor Edouard Manet.

La historia de este cuadro es muy interesante, porque fue un cuadro muy revolucionario para su epoca, considerado de mal gusto y vulgar, porque representaba a una prostituta sosteniendo la mirada al espectador (el termino prostituta puede parecer ofensivo, pero si ven el documental que coloco mas adelante, entenderan el porque de este adjetivo) ademas claro que este desnudo no era como los desnudos hermosos y delicados que se estilaban.

Aunque fue un cuadro impactante lo cierto es que la idea original no partia del mismo Edouard Manet (que por cierto fue maestro de Monet), es posible que Manet utilizara la composicion de Marco Antonio Raimondi un grabado del "Juicio de Paris" sobre un cuadro de Rafael que se perdió.

Encontre un documental muy interesante, pertenece a un programa que se llama "La vida privada de las obras maestras" del año 2002, que dedica un episodio a detallar la vida de este cuadro y de su autor, tiene una duración de 49 minutos y esta subtitulada al español. Si deseas descargarlo haz clic aqui.

Este cuadro ha sido objeto de múltiples referencias, de artistas como Picasso y artistas mas actuales también, y en comics, covers de albums, e incluso en anuncios publicitarios:

Picasso realizó veintisiete pinturas al óleo, ciento cuarenta dibujos, tres linograbados y una decena de maquetas en cartón para esculturas, en un periodo de 3 años; cansado al final, se desquito pintándola como una violación.

Comics:

Portada de Army@Love nro 03, realizada por Rick Veitch y Gary Erskine.

Portada de los "Fabulous Furry Freak Brothers" de Gilbert Sheldon en la aventura: "A year passes like nothing".

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Milo Manara, dibujante italiano autor “Giusepe Bergman”, “Clicks” y “Perfumes del invisible”, etc.

Popeye y Star Wars

Portadas de Álbumes de música:
La banda inglesa "Bow Wow Wow" creada por "Malcolm McLaren" sacó un disco llamado "See Jungle! See Jungle! Go Join Your Gang, Yeah. City All Over! Go Ape Crazy" en Octubre de 1981. La portada fue censurada porque la modelo solo tenia 14 años, cuando se hizo.
Mr. Oizo (pronunciado Mister Wah-Zoh) es el seudónimo del productor de música francés Quentin Dupieux. Portada de su EP Pourriture del 2009.

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Este cuadro también sirvió de inspiración para nuevos artistas: pintores, fotógrafos y ilustradores.

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También este cuadro a servido como tema para la elaboración de editoriales para revistas de moda: Editorial para la revista DIVA.

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Campaña publicitaria de YSL, protagonizada por Kate Moss, lafotografía a cargo de Mario Sorrenti.

Lo mas anecdotico que encontre de este cuadro es que sirvio para hacer una pelicula para adultos llamada LE DÉJEUNER SUR L’HERBE (2006) realizada por Ondrej Brody y Kristofer Peatau y se puede descargar el making off de 3 minutos aqui.

Aquí la secuencia de la serie Los Simpsons.

El Sueño - Henri Rousseau

2010-03-28T15:08:00.000-07:00

El tercer paisaje es El Sueño de Henri Rousseau (de quien hemos hablado en la Gitana Dormida).

Rousseau fue al igual que Van Gogh y Monet, un artista marginado en su época. Tanto así que durante la exposición en la que se presentaba "Tarde de domingo en la Isla de la Grande Jatte", de Georges Seurat y "Una noche de carnaval" de Rousseau, el segundo fue objeto de risas y burlas por su estilo aparentemente burdo e infantil, gracias a la intervención de Tolouse-Lautrec pudo Rousseau evitar ser excluido.

Sobre "El Sueño", el mismo Rousseau explica: "La mujer que dormita en el diván sueña con ser transportada a la jungla al escuchar el sonido del instrumento que toca el encantador de serpientes". No puedo dejar de pensar en que Bart cuando se dirige a Francia también sueña con vivir en una hermosa mansión (tal como le indicaba el folleto de intercambio).

La mujer, según se dice, tiene los rasgos de una amante polaca que el pintor tuvo en su juventud.

Es curioso que uno de los motivos recurrentes en las obras del Aduanero, sea el follaje selvático, cuando es conocido que Rousseau nunca visito la jungla, y que mientras pintabas los paisajes se mareaba y tenia que abrir las ventanas para que pasara su vértigo.

Ademas de confundir las especies de plantas, pintando bananas en arboles de su invención. Llegó incluso a utilizar 50 tipos de verdes para representar sus junglas.

El Clip:

Venus de Milo

2010-03-23T10:16:00.000-07:00

Last Exit to Springfield, o La última salida a Springfield, (episodio de la cuarta temporada) nos muestra una referencia escultórica en la primera escena, nada menos que La Venus de Milo.

La Venus, aparece sobre una mesa en un recepción, donde se presenta el "Trastornil: 10 veces mas efectivo que cualquier estimulante", en realidad la escena es de una película que Homero y Bart están viendo en la tv.

Hablando ya de la obra, solo puede decir que poco se sabe de ella en realidad, aunque Una inscripción situada en el pedestal indica que el autor pudo ser Alejandro de Antioquía. Se llama Venus de Milo porque fue encontrada en Milo.

Existen varias teorías de que porque La Venus no tiene brazos, la que más me gusta, dice que el escultor creía que la Venus era capaz de enamorar a cualquier hombre con solo señalarlo con el dedo indice.

Pero en general es aceptada la idea que el campesino que encontró la escultura deseoso de hacerse de ella, la desenterró con tal fuerza que se desprendieron los brazos.

Por eso me resulta muy ingenioso que Mc. Bain se encuentra escondido dentro de la escultura, y cuando sale de ella, lo primero que rompe son los brazos.

Campo de Trigo con Cuervos - Vincent Van Gogh

2010-03-14T15:41:00.000-07:00

El segundo paisaje que recorre Bart, es "Campo de Trigo con Cuervos" del pintor Vincent Van Goh, (del que ya habíamos visto uno de sus famosos Autorretratos).

Este cuadro es también conocido con el nombre de Trigal con cuervos, y muchos lo consideran la ultima obra de Van Gogh, realizada poco antes de que este se suicidara. Por lo que es objeto de muchos análisis y estudios sobre su verdadero significado:

- El cielo: los colores negro y azul representarian su tormento, sus problemas mentales (estuvo internado en un psiquiátrico), sus fracazos (antisocial, incapaz de formar una familia, dependiente económicamente de su hermano, incluso le fue mal como predicador evangelista, etc)

- Los Caminos: Hay quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su vida. Según este punto de vista los tres caminos representarían el pasado, presente y futuro de la vida del artista.

- Los Cuervos: Se les interpreta como su temor al fracaso. Encontré dos website en español, que descifran esta obra: VVgallery y especial multimedia sobre Van Gogh del diario La Vanguardia.

El Campo.

Auvers-sur-Oise localidad a la que se traslada despues de salir del psiquiatrico, es descrita así por el artista ‘[…] de verdad, esto es extraordinariamente bonito, es el campo mismo, característico y pintoresco’, los campos de está fueron un motivo recurrente en sus obras:

"Son vastos trigales debajo de atormentados cielos, y no necesito salirme de mi camino para intentar expresar tristeza y extrema soledad..." Vincent a Theo

Van Gogh es un personaje muy interesante, incluso desde el momento de su nacimiento ocurrido un 30 de marzo de 1853, el mismo día que su hermano, quien llevó el mismo nombre que él y nació muerto un año antes.

Fue un artista marginal que solo logro vender un cuadro durante su vida, a pesar de que realiza cerca de 750 pinturas y alrededor de 1600 dibujos, pasando por diferentes etapas de creación. Tubo una relacion muy cercana a su hermano Theo, le escribio más de 700 cartas.

Varias peliculas se hicieron en base a la vida de este artista, entre ellas encontramos:

Si deseas más informacion sobre Van Gogh y el Cine, te recomiendo un articulo de Moisés Bazán de Huerta, lo puedes leer o descargar aqui.

Siendo un alma atormentada, Van Gogh decide poner fin a su vida suicidándose, el 27 de Julio se dispara en medio del campo. agoniza por dos dias, mientras sigue fumando. Muere el 29 de Julio de 1890, a la 1:30 am. En su entierro todos los asistentes trajeron flores amarillas.

Para finalizar el clip de la escena:

Puente Japonés - Claude Monet

2010-02-28T19:41:00.000-08:00

En el capitulo Intercambio Cultural, perteneciente a la primera temporada de la serie, Bart realiza un viaje a Francia, como parte un intercambio estudiantil. Al llegar a Francia Bart es recogido en el aeropuerto por Huguolin, y ambos montados en una moto se dirigen hacia a la Chateau Maison, donde Bart permanecerá durante su estadía.

En el camino pasan por varios cuadros que representan el paisaje francés, el primero cuadro representa el “Puente Japonés” del pintor impresionista Claude-Oscar Monet.

El Impresionismo - del que ya hemos hablado antes en dos post sobre Joseph Turner- trata de reproducir las "impresiones" de colorido e iluminación percibidas de la naturaleza, al aire libre.

Claude-Oscar Monet, es reconocido en ese sentido como el padre del Impresionismo, aunque en su momento sus primeras obras impresionistas fueran tildadas de "chapucería" y ni siquiera contemplaban sus cuadros como obras "bien acabadas".

Cuando Monet tenía 43 años, en abril de 1883 compra una casa con jardín en Giverny - una localidad y comuna francesa situada en la región de Alta Normandía, convertido hoy en centro turístico y lugar de peregrinación para jóvenes artistas.

Ya instalado en Giverny "se consagró a diseñar con extremada pasión el jardín, que se convertiría en su fuente permanente de inspiración durante las últimas décadas de su vida", incluso solicitó permiso para desviar un afluente del río Epte para poder crear su estanque de nenúfares

Tanto la vegetación de los márgenes del agua como las plantas flotantes "fueron cuidadosamente elegidas por Monet en tonalidades frías y matizadas".

Monet, fue un gran amante de la cultura y arte japonés. y mandó construir en 1893 un Puente japonés, sobre el estanque de nenúfares, y del que al poco se enredó una tupida planta de glicinias.

El Puente Japonés, llego a ser una de sus fuentes de inspiración predilectas, siendo plasmando en diferentes versiones - durante cuarenta años, periodo en que Monet se fue quedando ciego -alguna de estas variantes han recibido nombres como "Estanque de nenúfares" (el nenúfar es una planta acuática) y "Estanque de Ninfas" en una clara equivocación al interpretar la palabra "nenúfar". O también llamada "Lago de Lily Pond".

Guillermo Solana, director artístico del Thyssen, recordó que cuando el maestro murió en en diciembre de 1926, "su pintura ya había pasado de moda". Monet llegó a ser calificado en el período de entreguerras como "un artista blando e incluso kitsch" (osea de mal gusto).

El redescubrimiento de Monet no se produce hasta mediados del siglo XX, cuando los jóvenes artistas del triunfante expresionismo abstracto americano comenzaron a contemplar sus obras con una nueva mirada. La materialidad de su pintura, su técnica “all-over”, sus pinceladas sueltas y sus formas desdibujadas fueron una auténtica revelación tanto para la joven generación de abstractos americanos como para los seguidores de los informalismos europeos.

Clip de Bart cruzando el Puente Japonés:

Marilyn - Andy Warhol

2010-02-27T21:39:00.000-08:00

En el capitulo, “Una proposición un poco indecorosa”, (13 temporada) Artie ziff - pretendiente de Marge en la adolescencia - se encuentra en su oficina rodeado de obras de arte de los más variados estilos y todos con un tema en común: Marge Simpson.

El cuadro más fácilmente reconocible es uno de los tantos “Marilyn” obra de Andy Warhol. Como el framegrabs no permite apreciarlo bien, me tome la libertad de re-dibujarlo:

Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art.

Cuando Marilyn Monroe se suicida en agosto de 1962, con una sobredosis de barbitúricos, Warhol comienza la producción de una serie de serigrafías utilizando como base una sola fotografía. La fotografía fue tomada por Gene Korman, para promocionar la película Niágara que era protagonizada por la actriz.

En el blog argentino “Espacio de Trabajo” encontramos un artículo interesante “Cita y apropiación: antecedentes en la historia del arte” en el cual se critica duramente la Marilyn de Warhol: “Esta obra refleja dos fenómenos: por una parte, el procedimiento de derivar la obra de arte que empieza a hacerse más frecuente en el arte contemporáneo, y por otro cierta impunidad de los artistas respecto del uso de material bajo copyright”.

Warhol, dedicó muchas obras a Marilyn Monroe, pero no pensando en ella como un sex-symbol, sino formando parte de un ciclo sobre la muerte.

"Diptico de Marilyn" es la primera obra sobre Marilyn, y trata, sobre todo, de expresar el paso de la vida a la muerte con la misma imagen. A la izquierda, Marilyn aparece bella y sensual; a la derecha, la ausencia de color, la presencia del negro y el desvanecimiento de la imagen anuncian su desaparición. (Mundo Historia) Warhol, utiliza la foto de Marilyn en más de cincuenta retratos incluyendo una serie de serigrafías titulada Iconos, en las que utilizó un procedimiento mecánico de aplicación serigráfica sobre tela que permite multiplicar series.

Muchos nuevos artistas se han visto influenciados por esta obra de Warhol en particular, utilizándola como base para recrear sus propias propuestas:

Y algunos otros se han hecho retratar a si mismos siguiendo este estilo, un poquito egocéntricos no?

Madonna: Para el lanzamiento de su álbum, Celebration en el 2009, establece e
l diseño de la portada de este álbum como una oda a las míticas serigrafías del ícono del pop, Andy Warhol. En este contexto, es bien sabido que una de las inspiraciones de Madonna es Marilyn Monroe, a quien también rinde tributo con el corte de cabello, el patrón de moiré y los colores de su pintura.

Anna Molinari, diseñadora de la marca de ropa Blumarine, en el desfile Fall 2009 utilizo como escenografía una serie de cuadros inspirados en Warhol, pero con su propia fotografía:

Existen otras dos versiones de este mismo cuadro en diversos capítulos de la serie, y una interpretación libre que se los iremos presentando en futuros post, asi como otros datos interesantes sobre esta obra en particular, por ahora la secuencia con Artie:

Christo and Jean-Claude

2008-11-11T19:41:00.003-08:00

Casi en la parte final de este episodio (El Arte de Papá y Mamá) , Homero y Lisa conversan sobre Christo.

Christo Javacheff, es un artista de origen búlgaro . Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos.

Christo Valdimiroff Javacheff nació el 13 de junio de 1935 en Gabrovo, una ciudad industrial al norte Bulgaria. Sorprendentemente, el mismo día del mismo año nacía en Casablanca (Marruecos) Jeanne-Claude en el seno de una familia de militares. Ella se convertiria en su esposa y compañera inseparable.

El 19 de noviembre del 2009, falleció Jeanne-Claude, a causa sufrió de un derrame cerebral a los 74 años en New York.

"En nuestro trabajo se trata siempre de la libertad", dijo una vez Jeanne-Claude. "Ella es la enemiga de la posesión y la durabilidad."

La artista también quiere mantener su libertad aún tras su fallecimiento: ella puso a disposición de la ciencia su cuerpo.

Lisa le sugiere a Homero que intente algo más radical como Christo. Ella lo describe como "un artista conceptual que hace enormes proyectos al aire libre"

Land Art

Estos proyectos que mencionan Lisa pertenecen a la corriente artística llamada Land Art.

Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre».

Consiste en elaborar obras de arte a partir del medio natural. Porque sus creaciones usan el paisaje como soporte (escenario) o materia prima de la obra. El principio fundamental del Land art es alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra.

Proceso de Creación.

En la obra de Christo y Jean-Claude, se destaca en tres fases o periodos, durante el desarrollo de un proyecto:

Fase imaginativa, predominan el collage y el dibujo. Preparacion de los bocetos, muestras de los materiales, telas, cuerdas, plásticos, que se emplearán en cada intervención.
Fase de construcción, para la que cuentan con la ilusión de miles de voluntarios, generalmente alumnos de Bellas Artes procedentes de escuelas de todo el mundo y de las empresas que proveen de lo necesario, a menudo fabricando en exclusiva.
Fase de memoria, es la forma de registrar la obra, documentado a posteriori mediante fotografías, audiovisuales, estadísticas e informes.

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La financiación para estos proyectos corría a cargo de la venta de los bocetos, materiales y registro fotográfico, contando en casi toda su trayectoria con solo dos fotógrafos oficiales: Wolfgang Volz y Harry Shunk.

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Obras:
Lisa menciona dos obras de la basta extensión de proyectos que realizaron:

Reichstag Envuelto

El Reichstag es la sede del poder legislativo alemán y representa el nuevo estado unificado alemán.

En su historia ha sufrido 20 incendios, bombas, guerras y abandonos.

A pesar de su fama como artistas Christo y Jean-Claude no la vieron la fácil para llevar a cabo este proyecto, aquí unos números:

24 años tomo conseguir el permiso de autorización.
54 visitas a Alemania fueron realizadas entre 1976 y 1995.
352 parlamentarios visitados para que apoyen el proyecto.
70 minutos estuvieron en sesión, en el parlamento alemán, para dar el SI definitivo.
El 25 de febrero de 1994 se dio por fin la anhelada autorización, para comenzar la obra.
10 empresas alemanas participaron en la fabricación de los materiales requeridos.
90 escaladores y 120 trabajadores ejecutaron la instalación de las estructuras de acero en las torres.
100.000 metros cuadrados de Tela de Polipropileno y
15.600 metros de cuerda del mismo material en color azul, fueron requeridos.
70 paneles de tela, cubrieron las fachadas, torres y la azotea.
El 24 de junio de 1995, se abrió la exposición al público.
2 semanas duro la exposición.

Tela y Plástico. En el guión original en ingles, Lisa le dice a Homero:

Lisa: (...) He once wrapped the Reichstag in plastic.

La Tela de Polipropileno, es la misma que se utiliza para la fabricación de sacos de plástico, así que la afirmación de Lisa no es del todo incorrecta, y se le puede considerar como plástico. Pero básicamente para referirse a las obras de este artista se suele describir el material como Tela.

Christo, mismo comenta sobre el uso de la tela en sus obras:

“Desde la antigüedad al presente, formando pliegues, plisados y tejidos, la tela es una parte significativa de pinturas, frescos, relieves y esculturas hechas de madera, piedra y bronce. El uso de la tela en el Reichstag sigue la tradición clásica. La tela, como la ropa o la piel, es frágil, esto traduce la calidad única de la impermanencia”, lo que tiene comienzo y fin.

Encontré un clip sobre el proceso de envolvimiento del Reichstag, utilizando la técnica del Stop Motion.

The Umbrellas (1984 - 1991)

Fue un proyecto internacional desarrollado simultáneamente en Estados Unidos y Japón.

Consistió en la plantación de 3.100 sombrillas gigantes: 1.340 sombrillas azules a lo largo de 12 kilómetros de la aldea de Hitachi, provincia de Ibaraki, Japón y otras 1.760 sombrillas, de color amarillo, en la localidad californiana de Tejón, EE.UU.

Las sombrillas son de aluminio, de seis metros de altura, 8,7 metros de diámetro y 200 kilos de peso.

Los colores de las sombrillas fueron elegidos con el objetivo de complementar el paisaje donde fueran instaladas:

El amarillo debía acentuar la hierba color ámbar de las colinas de California, como resultado de la sequedad de sus ranchos.

El azul debía realzar el exuberante follaje que rodeaba un río de Japón, y expresa, según asegura Christo, la ajetreada vida agrícola del archipiélago.

Las sombrillas se convirtieron en una gran atracción turística y fueron visitadas por más de 3 millones de personas; algunas los utilizaron para hacer picnics y otras, incluso, los usaron como altares de boda.

Sombrillas asesinas, Lisa le menciona a Homero que algunas de la sombrillas se desprendieron y mataron gente, y esto no es del todo alejado de la realidad, porque si se dieron dos muertes relacionados con esta exposición:

Lori Rae Keevil-Mathews, de 33 años, viajo hasta california para visitar la exposición que no tenía ni dos meses de abierta al público, cuando el viento arranco una de las sombrillas, que cayó sobre la desafortunada mujer y la mató. Aunque según otras versiones la sombrilla se cerró accidentalmente matando a la mujer. Crhisto al enterarse de esto mando inmediatamente desmantelar la exposición en los dos países. Durante la desmantelación se produjo la segunda muerte pero en Japón.
Masaki Nakamura, de 51 años de edad, era operario de una de las grúas que se utilizaron para sacar las sombrillas, según la policía japonesa, el brazo de la grúa tocó unos cables de alta tensión y Nakamura murió electrocutado en el acto.

Estas dos muertes, están consideradas en muchos blogs como una de las muertes mástontas y absurdas que existe.

La conversación de Lisa y Homero sobre Christo.

Robert Rauschenberg - Combines paintings

2008-11-11T19:41:00.001-08:00

Homero nos presenta tres obras, que podemos vincularlas como guiños a las obras de Robert Rauschenberg, que utilizan la tecnica del "Combines paintings".

"Combines paintings" o "collages", es un estilo inventado por el propio Rauschenberg, y se basa en el uso de diversos objetos cotidianos. Estas obras - concebidas entre 1954 y 1964- rompen las barreras formales entre escultura, pintura, fotografía, tecnología, performance y collage.

La primera obra que presenta Homero tiene como nombre original: Botched Hibachi pero que en doblaje se nos presenta como Chapucería a la Cobayashi, y agrega "un triciclo prestado de la colección Maggie Simpsons"

Rauschenberg en varias de sus obras utilizó bibicletas y neumáticos.

La segunda pieza "Failed Shelving Unit with Stupid Stuck Chainsaw and Applesauce" traducida como Repisa fallida con cierre estúpido atorado y puré de manzana.

La pieza de Rauschenberg que también tiene forma de repisa se llama Coca Cola Plan, y podemos notar que las botellas están manchadas de pintura, igual que en la repisa de Homero se encuentra salpicada de puré. Sobre el hecho de "manchar las obras" Rauschenberg decía "Estoy a favor de un arte que se pueda manchar como un mantel...". Según Ramón Faura, en su artículo Robert Rauschenberg: La forma de lo Humano, el acto de manchar de pintura las botellas "pretende impregnar de subjetividad lo que no es más que elemento de consumo sin cualidades."

Y la tercera obra, a la que denomina su "cosa de resintons": Attempted Birdhouse One, doblada como "Intento de pajarera uno".

Rauschenberg utilizó aves en varias de sus obras, quizás la que más se acerque a la presentada por Homero, es Odalisca - cuyo título se refiere a los desnudos femeninos recostados que aparecen en la caja - donde el artista utiliza diversos objetos como una gallina disecada y un almohadón, para construir la pieza, y se sirve de imágenes para envolver una caja hueca.

Otro dato a considerar se da en la primera exposición de Homero, Marge menciona que no puede entender la obra de Homero porque parece "algo sacado del basurero", en el ensayo La épica del Basurero: Robert Rauschenberg, menciona que este junto con otros artistas pop de la epoca "Encontraba en los basureros objetos que ellos rescatana, pulian, maquillaban "restauraban" y volvían a presentar como obras de arte de nuevo cuño".

Ya para terminar, hay que mencionar el hecho de que Robert Rauschenberg era homosexual y fue pareja sentimental de Jasper Johns, y como apunta el blog Avelina Lésper. Crítica de Arte, en el post dedicado a Rauschenberg "Warhol envidiaba el atractivo de Rauschenberg y no porque lo necesitara, New York estaba a sus pies, pero tener éxito y belleza es una cúspide que todos deseamos".

Aquí el clip de la segunda exposición de Homero.

Jasper Johns.

2008-11-11T19:40:00.000-08:00

Jasper Johns, es un pintor, escultor y artista gráfico estadounidense, reconocido por el uso de elementos de Arte Pop en sus obras.

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En este episodio el artista se hace presente en tres apariciones físicas y una mención. Johns presta su voz y se interpreta a sí mismo en este capítulo.

En la primera, Homero afirma que a los artistas como Jasper Johns les encanta la comida gratis. Nótese también la presencia de Yoko Ono.

En la segunda aparición vemos a Johns robando bombillas, y esto es un guiño a su obra "Light bulb".

Light Bulb, es una serie de cinco obras que muestran bombillas, y que son presentadas en diferentes formatos, como la escultura, la litografia, el dibujo en tiza, etc.

Bombilla I. 1958. Escultura vaceanda en metal galvanizado.

Bombilla II. 1958.

Según Cora Dukelsky, en su ensayo sobre Los Simpsons y el Pop Art, Johns suele incluir en sus obras "imágenes de obras de otros artistas, quizás por esta razón, los autores del capítulo decidieron adjudicarle al personaje rasgos cleptómanos".

Johns suele ir más allá de la representación simple de un objeto, trata de investigar como lo percibimos, etiquetamos, y clasificamos estos objetos en un más amplio contexto cultural.

Ya para terminar, encontre una editorial para la revista VOGUE, realizada por la fotografa Annie Leibovitz, es una adaptacion del Mago de Oz, con la actriz Keira Knightley, en donde participa Jasper Johns como el León cobarde.

Jasper Johns es el león cobarde que intenta asustar a Keira.

Keira, como Dorothy, junto al hombre de hojalata, el espantapájaros y el león cobarde mientras sigue el camino de baldosas amarillas.

Piet Mondrian. Composición.

2008-11-08T13:00:00.011-08:00

Entre la pintura de Josef Albers y la de Andy Warhol, podemos apreciar una obra de estilo Piet Mondrian.
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Digo de estilo porque la forma y distribucion de las lineas corresponde a la obra Composición en Rojo, Amarillo y Azul, pero los colores varian en la pintura que se ve en el museo, el color rojo que predominaba en la obra de Mondrian, es cambiado a blanco, y se nota la total ausencia del color amarillo. El estilo de Mondrian es facil de imitar, porque es la simplificacion en lineas y colores primarios.
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Pieter Cornelis Mondriaan, conocido como Piet Mondrian, (1872 - 1944) fue un pintor vanguardista holandés.

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Mondrian, sostenía que:

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" El arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad".

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Rechazaba las cualidades de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos.

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El cuadro donde aparece la obra de Mondrian en este capitulo, se puede apreciar en el clip donde tambien aparece Homenaje al Cuadrado de Josef Albers.

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Ya antes, en este mismo capitulo, se hizo una referencia Piet Mondrian, en la portada de la revista Art in America.

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Josef Albers. Homenaje al Cuadrado.

2008-11-08T13:00:00.009-08:00

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Justo antes de que Homero se arrodille ante un cuadro de Andy Warhol, podemos ver al lado izquierdo un reproducción de Homenaje al Cuadrado de Josef Albers.

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Albers, fue un artista y profesor de origen alemán, que desde 1949 hasta su muerte en 1976, trabajo en una serie de pinturas llamadas "Homenaje al cuadrado", en el cual él intentó explorar la interacción del color enun formato regular. En estas pinturas, así como en su libro "Interacción de Color" (Yale, 1963), Albers procuró manifestar que el color es un fenómeno completamente relativo; los colores se cambian constantemente según su yuxtaposición y relación con otros colores.

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"Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi iguales cuando se asocian a distintos fondos. Es así que un mismo color permite innumerables lecturas".

En el blog la Divina Comedia de Vailima, encontre un post muy interesante sobre lo que significarian los cuadrados, aqui un extracto:

El rectángulo horizontal representa la sumisión del hombre y de la naturaleza a la atracción gravitatoria, la expansión a ras de tierra y la acción a lo largo de esa dimensión.
El formato vertical retrata la victoria sobre el peso.
Los formatos rectangulares reflejan de modo abstracto la lucha con las dificultades de la vida, que tan explícitamente se detallan en los temas de carácter realista

Con este cuadro en particular tuve algunos problemas, porque me guie de lo expuesto en el foro SNPP - un foro en ingles hecho por los fans de la serie, en donde discuten de los contenidos de cada capítulo - ahí mencionaban que se trataría de una obra de Mark Rothko, aunque los estilos son diferentes hay algunos que si logran confundirlos, como la artista Amy Berk

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Berk, presentó una pieza, muy parecida a Homenaje al Cuadro, pero a la que llamó "Rothko drawing #10" 8" x 6", y la realizó con post-its .

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Otro artista que tambien realizó un tributo a Rothko con estilo Albers, fue Jeloid, y tituló a su obra "blue rothko red".

Aqui el clip.

David de Miguel Angel

2008-11-08T13:00:00.007-08:00

Aun no salimos del capitulo "El Arte de Papá y Mamá". La obra de Homero es presentada en exposición. Cuando se ingresa a la galeria, se puede apreciar este David, hecho de material reciclado (por no decir basura).

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Está escultura es una parodia al David de Miguel Angel.

Lo interesante de esta referencia es la historia que esta detras de la escultura. Es asi que el marmol con que fue hecho el David, estuvo por años (desde mediados del siglo XV) almacenada en la propiedad del Arte de la Lana (gremio de tejedores de Florencia). Y según los historiadores “estaba lleno de defectos”, hasta el punto que había sido desechado por dos conocidos artistas de la época, Agostino di Duccio y Antonio Rosellino.

Miguel Angel, recicla este enorme marmol, y lo utiliza para crear su David. Y me parece que esa es justamente la razón, por la que vemos en los Simpsons, un David hecho de partes de metalicas reclicladas.

Lo que si es curioso, es la mirada desviada que se le da al David en la serie, en el fotograma no se aprecia muy bien, pero un ojo mira arriba y el otro hacia un lado

En cambio, Miguel Ángel esculpe artificiosamente su mirada llena de ira, carácter terrible, amenazador, pero contenido, en definitiva, una gran carga dramática.

Este David, representa el momento previo a su enfrentamiento con Goliat. Es por eso la fiereza de su mirada.

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Si quereis saber más sobre la obra, te recomiendo un video en el YouTube.
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El clip del David versión Simpsons.

Art In America

2008-11-08T13:00:00.005-08:00

Art in America es una revista norteamericana de Arte, de publicación mensual. Su primera edición data de 1913. La revista abarca las artes visuales de todo el mundo.

Continuando con el cápitulo, El Arte de Papá y Mamá, vemos a Homero y Marge en la habitación antes de dormir. En la edición que tiene Homero, de Art in America aparece en la portada una obra de Piet Mondrian, llamada "Composición con Rojo, Azul y Amarillo". Sobre Piet Mondrian hablaremos en otro post, porque hay mucho de sus obras en Los Simpsons.
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Lo curioso, es que la obra de Mondrian que fue portada de esta revista no es "Composición con Rojo, Azul y Amarillo", sino otra obra suya llamada New York City (1942), que fue cover de "Art in America" para la edición de Octubre de 1981.

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Y para finalizar la secuencia correspondiente, donde por cierto Homero le menciona a Marge, que es la primera vez que lo mencionan en la revista, al menos eso cree, si alguno de los que leen este post, es asiduo a Art in America, me gustaria saber si por ahi no aparecido nunca una referencia a Homero Simpsons. Si alguien sabe, no se olviden de comentarlo!

Venecia: Gran Canal con Santa Maria de la Salud

2008-11-08T13:00:00.003-08:00

En la escena final del episodio "El Arte de Papá y Mamá", vemos a Marge pintando sobre el tejado de su casa luego de que Homero inundara toda la ciudad en un intento por crear una obra de arte conceptual.

El primer plano a la pintura de Marge, nos trae la referencia a otra obra del britanico Joseph Turner (en un post anterior vemos un guiño a su oleo: "La Aduana, San Giorgio y Las Zitelle desde las escalinatas del Hotel Europa")

La obra que inspira a Marge es conocida como: Venecia: Gran Canal con Santa Maria de la Salud, cuyo autor es como ya mencionamos Joseph Mallord William Turner, a quien se conoce también como 'el primer impresionista' y 'el pintor de la luz'.

El Impresionismo, se caracterizó por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante.

Como Marge le explica a Homero en una escena anterior, Turner se aficiono a pintar los canales de Venecia. En realidad este estuvo solo tres veces en Venecia, entre los años 1819 y 1840, pero no permaneció más de 3 semanas en total, siendo la última visita la estadía más larga y productiva, marcando al artista en forma definitiva fundamentalmente en el manejo de la luz y los efectos que ésta deja sobre el agua. Durante su estancia se hospedo en el Hotel Europa. Las ventanas de la habitación que ocupara Turner miraban hacia el este con dirección al Campanile y de frente, hacia la Punta de la Doga y la Iglesia de la Salud.

Lei un articulo en el que se describe a Turner como un habil comerciante en las eleccion de sus temas a pintar:

Turner conocía el mercado del arte sabía lo que tenía que hacer para vender, por tanto realizó numerosos paisajes de fácil consumo, con un enfoque ¿turístico?, como Venecia: La Dogana (aduana) y San Giorgio Maggiore, 1834, y pintó otros parajes, como el valle de la Loira, el Rin, el Ródano y la Sena para la alta burguesía que lo consideraba una estrella.

Homero al final hizo lo que Turner y le dio al público el arte que ellos esperaban (solo que inundar la ciudad no tiene ninguna forma de comercializacion posible).

Clip de video con la toma al cuadro de Marge.

La Aduana, San Giorgio y las Zitelle desde las escalinatas del Hotel Europa

2008-11-08T13:00:00.001-08:00

Y como aún no terminamos el capitulo "El arte de Papá y Mamá", regresamos a pinturas, y este cuadro en especial tiene el explicito nombre de "La Aduana, San Giorgio y las Zitelle desde las escalinatas del Hotel Europa" y es obra del pintor ingles Joseph Turner.

Turner, tuvo una característica muy llamativa, la cual consistió en pintar solamente paisajes, sea la campiña, el mar en distintas circunstancias y hasta hechos históricos. Este estilo suyo condujo a la fundación del Impresionismo.

En Los Simpsons, Marge da la siguiente explicación sobre el artista:
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"Este es un Joseph Turner en una era donde todos pintaban retratos el decidio cambiar pintando los canales de Venecia"

Es cierto que Turner nunca pintó a seres humanos puede ser que no haya tenido interés en ese enfoque artístico o quizás falta de capacidad técnica para ello. Algunos historiadores de la pintura expresan que trató de hacer algunas figuras, las cuales siempre tuvieron malos resultados
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Y con respecto a los canales de Venecia que menciona Marge, podemos tomar las palabras de John Ruskin, teórico de la Historia del Arte que incluirá a Turner en su obra "Modern Painters" y a quien dedicará estas palabras:

"En Venecia él encontró libertad de espacio, brillantez de luz y variedad de color".

Y para concluir el clip correspondiente:

Discóbolo

2008-11-08T12:59:00.005-08:00

Marge y Homero comienzan su recorrido por el Springsonian Museum, y pasan al lado de una replica del Discóbolo de Mirón.

El término griego Discóbolo significa lanzador de disco, que fue uno de los deportes más tradicionales de la antigua Grecia.

El movimiento es una de las claves que se quieren representar, el movimiento del hombre como muestra de avance en el pensamiento y en todas las áreas de la vida.

El Discóbolo de Mirón, mide aproximadamente 1,60 metros de altura. Homero según los datos conocidos mide 1.83, pero como se ve en el framegrabs, el Discobólo de esa escena debe estar midiendo aproximadamente unos 6 metro de alto.

Además me llamo la atención el recuadro blanco que se ve entre el brazo y la rodilla de la escultura, ¿un descuido del colorista? puede ser que se le olvido rellenar esa sombra y la dejo en blanco, cosas que pasan.

Claes Oldenburg

2008-11-08T12:59:00.003-08:00

De pinturas pasamos a Esculturas, pero seguimos en el mismo capítulo (El Arte de Papá y Mamá).

La escultura que aparece en esta escena, da pie a una de los momentos más cómicos de ese episodio, Homero critica un cuadro de Life in Hell firmado por Matt Groening. Acto seguido un lápiz gigante se asoma contra Homero, a lo cual este grita:

"Oh Dios, me van a borrar"

Pero sólo era una escultura. Marge le explica Homero, que se trata de una obra de Claes Oldenburg:

"Es un europeo que desafio los convecionalismos y abrazo la cultura popular"

En muchas biografias sobre este escultor, se le menciona como americano, pero en realidad Marge, si tiene razón, nació en Suecia pero se crió en América y despues ya adulto se nacionalizó como tal.

Oldenburg, es un escultor que junto con su esposa Coosje van Bruggen, crearon esculturas gigantes de objetos cotidianos como: ganchos de ropa, binoculares, etc. Busque mucho en la red, la réplica del lapíz que aparece en Los Simpson, pero lo más cercano que encontre fue la imagen que deje arriba (titulada "A large pencil"), y que es de autoria de Claes Oldenburg. Y como ya es habitual, el clip de video correspondiente.

La Persistencia de la Memoria II

2008-11-08T12:59:00.001-08:00

En un post anterior ya se habia hablado de La Persistencia de la Memoria un cuadro de Salvador Dalí. Esta obra tambien es conocida como "Los Relojes Blandos", por la forma de estos, y que viene a representar cómo pasa el tiempo y cómo estamos doblegados a él.

Para algunos este cuadro contiene una fuerte sensación de Ansiedad de que "algo no está bien. Como ocurre con el árbol, que no es frondoso sino terrorífico, medio mueto, sin hojas y seco. Así, es un paisaje extraño, con una luz mediterránea al fondo mientras que en primer término es todo penumbra".

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En el sueño de Homero, (episodio El Arte de Papá y Mamá) se eliminan algunos elementos del cuadro original, como el autorretrato de Dalí, además que el cuadro no se ve frontalmente sino en lateral superior, (aunque eso solo me parece curioso).

Lo resaltante en el sueño de Homero es la sensación de ansiedad, al igual que en la obra de Dalí. Homero se siente ansioso por su fracazo como escultor. También es gracioso como los relojes le caen encima a Homero como gotas de lluvias, como diciendole que se "le hizo agua el plan de ser escultor". Aqui la secuencia en video.
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La Gitana Dormida

2008-10-26T23:06:00.001-07:00

Cuando Homero se pone a dormir dentro del Springsonian Museum, en el episodio El Arte de Papá y Mamá, vemos como su sueño comienza con la representación de La Gitana Dormida de Henri Rousseau.

Rousseau, tambien conocido como "El Aduanero", era de origen Frances y es considerado como el máximo representante del arte naíf. Que engloba a aquellos artistas que logran sobresalir a pesar de no tener estudios academicos, y son autodidactas. Como pudo ocurrir con Homero que paso de querer armar una parrilla a escultor de Arte Moderno.

La Gitana Dormida es quizás la obra de Rousseau más conocida. Hay algunos que consideran a esta obra perteneciente al género Surrealista, por los motivos sin relación entre sI (el desierto y el agua, la fiera y el ser humano), la iluminación fantástica y la atmósfera lunar poco naturalista.
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Durante su sueño, Homero es atacado por diversas obras de arte y artistas : Los tres musicos de Pablo Piccaso, Latas de Sopa Cambpell de Andy Warhol, El Hombre de Vitrubio de Leonardo DaVinci, etc. Pero en La Gitana Dormida, Homero es despertado suavemente por los lamidos del León. Dandole vueltas al asunto, solo podria comentar que cuando Henri Rousseau exhibió este cuadro no tubo gran acogida, al igual que Homero con su segunda exposición.

El pintor frances, fue contemporáneo de grandes artistas como Salvador Dalí y Pablo Picasso quien incluso ofreció un banquete en su estudio, lo anecdótico del evento es que Rousseau se quedo dormido a mitad de cena. Pero mientras Henri Rousseau fue despreciado en vida por el público y solo algunos pintores celebres como Picasso llegarón a apreciar su obra, Homero fue aclamado en su primera exposición y en su sueño fue despreciado por Pablo Picasso y otros artistas.

Estudio: Cabeza

2008-10-26T23:03:00.001-07:00

Un Estudio puede tambien ser llamado Boceto y es un dibujo previo que se hace de la obra. Picasso durante su Período Negro, (1906 - 1909) se dedicó a la realización de numerosos estudios, por lo general él hacia dibujos de las cabezas y cuerpos por separados, y despues veía como podía encajarlas. Este período es también conocido como Precubismo.

Cuando Marge y Homero caminan por el Museo de Arte, en el episodio El Arte de Papá y Mamá, ella señala este cuadro como parte del Cubismo.

Este estudio con evidente influencia africana, tiene algunas características que se repetirán en otros cuadros como puede ser:

- La amplia frente.

- El peinado a un lado (es el peinado de Picasso por aquellas epocas)

- La nariz recta.

- La forma de la oreja como un ovalo.

- Las lineas rectas y fuertes que dan la apariencia de una mascara.

El Boceto de está cabeza corresponderia a la obra Danza con Velos (1907), aunque tambien le encuentro un gran parecido a Cabeza de Mujer (1907), y en un primer momento lo confundí con un Autorretrato de Picasso y luego con Cabeza de Hombre.

Nota: Volteé horizontalmente algunas imagenes para que se pueda notar los parecidos. :P

Las Señoritas de Avignon

2008-10-26T23:01:00.001-07:00

Este cuadro tambien es conocido con el nombre de Las Señoritas de Aviñon (1907), y su importancia radica en que es considerado el primer cuadro cubista de Picasso, tal como se lo explica Marge a Homero. Sin embargo existen teorias que consideran que este cuadro en realidad fue el resultado del despecho y automatismo de Picasso (Si deseas leer más clic aqui! busca el subtitulo "La Verdad sobre el cuadro Las Señoritas de Avignon").

La Obra tiene unas caracteristicas especiales que se deben tener en cuenta como por ejemplo:

- La mitad Izquierda es Roja y La mitad Derecha es Azul.

- La primera mujer de la izquierda parece querer cerrar una cortina roja.

- La cuarta mujer que se encuenta en el lado derecho, parece querer abrir las cortinas.

- La pose de la primera mujer recuerda a los dibujos egipcios.

- Las dos mujeres centrales en realidad, no las miramos de frente, las observaramos de arriba hacia abajo.

- La mujer sentada, nos esta dando la espalda, pero su cabeza esta girada en un angulo imposible.

Cuando Picasso presento este cuadro por primera vez a sus amigos recibio duras criticas :"Burla del arte moderno" dijo Matisse, "cuarta dimensión, horrible revoltijo" expresó Stein, "mejor que se dedique a la caricatura" indicó Fenéon. Encontre una página muy completa dedicada a analizar este cuadro. Clic aqui si deseas leerla. De ahi saque el siguiente fragmento:

"(...) Cuando fui al antiguo Trocadero [el actual Museo del Hombre en París] permanecía en él solo. (...) Estaba contra todo, contra los espíritus desconocidos y amenazadores. Continuaba mirando los fetiches, y lo comprendí: yo también estoy contra todo. Yo también pienso que todo es desconocido, que todo es enemigo. Todo!."

PICASSO.

Eso me recordo la escena, cuando Homero se duerme en el Museo y es atacado por las obras de arte. (Se pueden ver algunos fragmentos de videos en post anteriores) Marge lo despierta y él dice:

"Marge ¿Por qué el arte me desprecia?, jamás le hice nada"

El guitarrista Ciego

2008-10-26T22:59:00.001-07:00

Este óleo es tambien llamado "El Viejo Guitarrista", y es una de las figuras representativas del Periodo Azul (1901 - 1904) En este periodo Picasso pinta la miseria humana, ciegos, alcohólicos y prostitutas.

La ceguera fue un tema que obsesionó mucho al pintor y que retrato en otras obras como “La celestina” y “La comida del ciego”, si deseas saber más da clic aqui!.

Cuando Homero y Marge recorren el museo en busca de inspiración, ella le pregunta:

"¿Tienes alguna idea?

Y él responde:

"No, estos sujetos son genios, nunca se me podría ocurrir algo como una sopa o un lápiz"

( la sopa es por Warhol y lo del lapiz es por Claes Oldenburg del que hablare en otro post)

A Picasso en un tiempo lo acusaron de copiar las ideas de otros, él se defendia diciendo:

«Los buenos artistas copian, los genios roban».

Arlequín sentado en un café

2008-10-26T22:58:00.001-07:00

Como ya habiamos mencionado en el Post Los Tres Musicos Part I, a Pablo Picasso le gustaba representarse a si mismo como un Arlequín. Su aficion por esta figura circense empezó en 1887, cuando Picasso aún adolescente sucumbió al encanto de Rosita del Oro, amazonas del Circo Tívoli de Barcelona.

Durante toda la carrera del artista vemos la figura del Arlequin pintada con diferentes estilos. Para Picasso 'El arlequín' es una figura en transformación constante.

Regresando a los Simpsons, Homero no entiende por que su exposicion fracaso, se encuentra deprimido y Marge le dice:

"Homero, se que has trabajado mucho pero todas tus obras son iguales"

y luego agrega:

"Los grandes artistas siempre crean cosas nuevas"

Un detalle que me llamo la atencion es que el Arlequín de Picasso que se ve en el recorrido de Marge y Homero, tiene los ojos cerrados (como ignorando a Homero) cuando en la obra original tiene los ojos abiertos.

La niña de pies descalzos

2008-10-26T22:52:00.000-07:00

Picasso nuevamente será el tema de este post, ahora con su cuadro llamado "La niña de los pies descalzos".

Cuando Homero y Marge recorren el Springsonian Museum, en el cápitulo El Arte de Papá y Mamá, ella le explica a Homero brevemente sobre los estilos en los que experimento el pintor.

El primer cuadro que aparece a la derecha, es "La niña de los pies descalzos" o tambien llamada "Muchacha de pies descalzos".

Marge le explica a Homero que Picasso en sus inicios pintaba con realismo.

Este cuadro fue pintado cuando Picasso tenia 14 años y representaria a uno de sus primeros amores Carmiña, de la que él se enamoro cuando solo tenia 10 años...

Como Homero busca inspiracion entre estos cuadros, me parece justo mencionar que la inspiración de Picasso surgia en un primer momento de su relaciones con las mujeres. Casi todas las mujeres que Picasso amó tuvierón trágicos finales, si deseas saber más, da clic aqui!. ..

Al final del cápitulo Homero reconoce que es Marge la artista de la familia, y ella le menciona que necesita inspiración y Homero se la brinda a través de un sonoro beso.

Los Tres Musicos Part II

2008-09-30T10:26:00.002-07:00

El Especial de Noche de Brujas IV, nos trae esta versión de Los Tres Musicos del pintor Pablo Picasso.

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Lisa es la protagonista del cuadro. En la imagen de ella se funde El Pierrot (los pantalones y zapatos blancos), El arlequin, (la manga derecha) y el monje (la manga izquierda).

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Lisa encaja bien en el cuadro porque a ella le gusta la musica, toca el saxofón y el cuadro va de eso justamente, de tres musicos, la flauta del pierrot es cambiada ahora por el sax de Lisa.

El Manifiesto Cubista de Guillaume Apollinaire, (el Pierrot del cuadro original de Picasso) es un documento que el amigo del pintor escribio para intentan explicar lo que significaba el cubismo, ya que cuando comenzó a desarollarse casi nadie lo entendia y la parte que me interesa resaltar es la que dice:

" La geometría, ciencia que tiene por objeto el espacio, su medida y sus relaciones, fue en todo tiempo la regla misma de la pintura"

Aunque a primera vista no parezca, en la serie los Simpsons, aparecen varias referencias a las matematicas, que incluyen obviamente el uso de figuras geometricas, y esto se debe a que tres de los guionistas de la serie, son fisicos matemáticos, asi que para ellos una pintura Cubista debe parecerles muy significativa, no creen?

Los Tres Musicos Part I

2008-09-30T10:26:00.001-07:00

Siguiendo con los cuadros aparecidos en El Arte de Papá y Mamá, tenemos un óleo de Pablo Picasso, llamado Los Tres Musicos, que pertenece al Cubismo.

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Existen dos versiones de este cuadro, la que aparece en los Simpsons es la de 1921, las figuras que aparecen en ambas obras son las de un arlequín que toca la guitarra, flanqueado por un Pierrot que lleva una flauta y tiene un perro bajo sus pies, y un monje que tiene una partitura.
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Los Tres Musicos vendrian a ser: Apollinaire (El Pierrot), Pablo Picasso (El Arlequín) Max Jacop (El Monje), Picasso tenia varios fetiches que gustaba representar en sus obras como por ejemplo: los instrumentos musicales, la triada de objetos o personajes y tambien el representarse a si mismo como Arlequin.

Lo interesante con esto es que en el sueño de Homero tanto como Warhol y Picasso son los que ataquen a Homero, en el caso de Picasso, este le dice: "Hasta la vista Baby!", ambos no quieren reconocer a Homero como un artista al igual que ellos, solo lo ven como alguien que se quiere autodenominar asi, pero en realidad solo lo hace para sacar un provecho económico, nada más! Simpático ¿no?

Sopas Campbell Part II

2008-09-30T10:25:00.001-07:00

En "El Arte de Mamá y Papá", Homero y Marge recorren un museo de arte en busca de inspiración, ya que Homero por casualidad habia llegado a ser un escultor de moda, pero despues de su segunda exposicion paso al olvido.

Mientras caminan por la galeria, Homero se arrodilla a un cuadro de "Sopas Campbell":

La Sopa Campbell de Warhol querian representar a "la imagen como mercancía", focalizado en “lo banal” o “lo frívolo”, que es lo que concuerda con el tema de ese episodio, ejemplo:

Cuando Homero se encuentra presentado su segunda exposición quiere empezar a pujar su obra en unos 10 mil dolares, lo que significa que para el solo es mercancia.
Cuando nadie ofrece nada, la critica de arte le explica a Homero que a la gente solo le gusta lo que gusta lo que es "nuevo y asombroso" y que sus obras se parecian mucho a lo anterior.
Y otro personaje le recomienda a Homero pasarles la voz, cuando él haga algo "Kitsch".

Bueno y como me habian dejado en un comentario, aqui aparece la famosa escena de Andy Warhol golpeando a Homero con latas de sopa, por cierto, cuando Andy levanta la lata gigante me recuerda mucho a una escena de La Naranja Mecanica cuando uno de los Drugos levanta una escultura (tambien de Arte Pop) y la lanza contra una mujer que se encuentra en el piso.

Pd.- Encontre un Pdf muy interesante que explica mucho de las obras que aparecen en este episodio, recomiendo que lo lean la autora es Cora Dukelsky, clic aqui para leerlo.

Sopas Campbell Part I

2008-09-30T10:24:00.000-07:00

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En Pinceles con Grandeza, episodio de la segunda temporada, habiamos encontrado en la primera parte del capitulo una referencia a M.C Escher y su Ascendiendo y Descendiendo, ahora en la segunda parte encontramos una referencia a la famosa lata de Sopa Campbell de Andy Warhol.

Mr. Burns contrata a Marge Simpson para que elabore un retrato de él, que resalte su belleza interior. Marge acepta pero mientras mas tiempo pasa con Mr. Burns se da cuenta de que en realidad no posee una belleza interior, asi que al final lo pinta tal como es un viejo escualido.

La Sopa Campbell de Warhol, gira sobre todo en torno a la mercantilización. El arte tenía una función mercantil e ideológica y no ritual, y es lo que intenta explicar a traves de la sopas Campbell, un producto de la sociedad de consumo.

El Sr. Burns "contrata" a artistas en pintura, esto quiere decir que la obra que salga de ahi, en realidad no es arte, es solo "un producto para el uso y el desuso", como cuando se ve a Smithers botando un retrato del Sr. Burns en una habitacion repleta de estos.

Marge al final del capitulo se reinvidica y pinta lo que realmente ella ve y siente, que es mas o menos lo que hace cualquier artista, expresar sus ideas a traves de sus obras.

Ascendente/Descendente. II

2008-09-21T13:57:00.001-07:00

El Especial de Noche de Brujas IV, nos trae una nueva versión de Ascendiendo y Descendiendo (1960), litografía de M.C Escher.

Los personajes que vemos son los de Homero persiguiendo Bart (nada fuera de la rutina ya conocida, XD) y bueno aqui se ve a un padre con su hijo no? Pues esto de Padre e Hijos tiene mucho que ver con el origen de la litografia de Escher:

"Roger Penrose le mostró el dibujo de un triangulo imposible en la realidad: la tribarra, a su padre, Lionel, distinguido profesor de genética, de quien Roger ha heredado el gusto por paradojas y rompecabezas. Lionel respondió dibujando una escalinata imposible, que puede ascender sin fin, pero que en realidad se muerde la cola, cerrándose sobre sí misma. Padre e hijo prepararon conjuntamente un articulo donde describían la tribarra y la escalinata, y se la enviaron a Escher. Dicho articulo espoleo al holandés para crear dos de sus litografías mas famosas Ascendiendo y Descendiendo y Cascada."

Y para finalizar dejo aqui una frase de Escher que me parece que analizandola muy bien tiene relación con Ascendiendo y Descendiendo.

"Entonces déjennos intentar escalar la montaña, no pisando sobre lo que hay debajo de nosotros, sino que impulsándonos hacia lo que hay sobre nosotros..."

Ascendente/Descendente I

2008-09-21T13:52:00.000-07:00

Brush With Greatness (Pinceles con grandeza), pertenece a la segunda temporada de la serie, en la primera parte del capítulo Homero lleva a la familia al parque acuático Mt. Splashmore, mientras Bart y Lisa hacen cola para ingresar al tobogan, se abre la toma y se observa la cola de personas haciendo referencia exacta a una litografía de M.C. Escher llamada Ascending and Descending (Ascendiendo y Descendiendo).
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Para la creación de esta imagen Escher se baso en "La escalera de Penrose". Roger Penrose, es un matemático ingles que envio a Escher el diagrama de una escalera en donde se asciende y desciende al mismo tiempo. Escher, que fue un apasionado de los opuestos diagramo esta idea en dos litografías, Ascending and Descendig y Cascada, e hizo refencias al concepto de subir y bajar en la misma escalera como en el cuadro de Relatividad.

Muchos de nosotros nos sentimos exasperados si formamos colas (en el banco, discotecas, cine, etc) y a veces nos sentimos tan abrumados sintiendo que siempre hacemos colas, que la vida se nos va haciendo colas, bueno a Bart y a Lisa les molesto tener que esperar en una cola y usando una treta de "buscar a mamá" se abrieron paso entre la gente, quizas deberiamos tomar eso como una metafora para avanzar con audacia y no seguir en un circulo vicioso, de siempre estar "detras de" o "esperando que", a veces la vida puede ser como una insufrible escalera de Penrose ¿no?.

Relatividad

2008-09-06T16:22:00.000-07:00

En el capitulo Homero El Grande de la sexta temporada; encontramos en uno uno de los clasicos Gags del sofa, una entrada utilizando una ilusión optica muy conocida de M. C. Escher.

M.C. Escher fue un artista gráfico de origen holandes, popular entre los matemáticos por su prodigioso tratamiento de la geometría y de la perspectiva.

Escher se distinguió por su carácter dualista, un rasgo que se reflejó en su constante creación de mundos contrapuestos a la realidad:

En este detalle observamos en un mismo tramo de escalera a dos personas, colocadas en el mismo sentido de marcha, una sube y la otra baja.

En la captura de los Simpsons, vemos a Lisa subiendo las escaleras y Bart bajandolas, pero al igual que en la obra de Escher, los dos se encuentran en la misma escalera. Pero contrario a sus caracteres es Bart quien baja en calma y Lisa la que sube corriendo.

Debemos resaltar tambien que las escaleras contradictorias forman un triángulo, que representa la armonía, la proporción y la racionalidad. En el dibujo de Escher la punta del triangulo apunta hacia abajo.

Y en los Simpson aunque a primera vista no aparezca, rotando la imagen encontramos un triangulo con la apunta hacia arriba.

Y como bonus extra por la demora en publicar el post, dejo la secuencia del sofá.

La Muerte de Marat

2008-08-29T11:09:00.001-07:00

Esta es otra de las pinturas que aparecio en el Especial de Noche de Brujas IV, se trata de la representacion de la muerte de Jean Paul Marat, un activista politico de la Revolución Francesa, y el oleo original fue pintado por un amigo de Marat, el pintor Jacques-Louis David.
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Marat fue asesinado en su bañera por una mujer llamada Charlotte Corday, que le habia escrito dos misivas en donde de describia viuda y con dos hijos a los que no tenia con que alimentar, y pedia a Marat su ayuda.

Otro punto que quiero resaltar es que Marat fue pintado por Jacques-Louis David, según como este lo habia visto el dia anterior en una visita, osea que era cotidiano verlo en una bañera por la enfermedad que sufria y lo que destaca de que se trata del momento de su muerte es la pequeña herida en su pecho y las manchas de sangre sobre las sabanas blancas.

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Lo interesante de todo esto es que en la escena de Los Simpsons, Homero no me parece que este muerto, sino mas bien, durmiendo y supongo esto porque en varios capitulos Homero aparece durmiendo con la lengua hacia afuera, osea es algo tambien "cotidiano". Además claro, que no se aprecia ninguna herida.

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Otra cosa que me parecio resaltante es que Marat es un revolucionario, y en el momento de su muerte intentaba mediante la carta que escribia ayudar a la viuda para poder alimentar a sus hijos. Bueno, en la nota de Homero se ven tres palabras, yo solo he logrado descrifrar la primera y dice claramente "Diet" osea Dieta, hacer dieta en la vida de Homero claramente es un signo de revolucion, y ademas que el contenido de la carta original era para "alimentar" a los hijos de la viuda, y que para Homero sea "Dieta" es curioso, además claro que la unica que lo obligaria a hacer eso seria Marge ¿no?

El Hombre de Vitruvio. Part III

2008-07-03T23:39:00.003-07:00

Saturdays of Thunder, (Tardes de Prueba en Latinoamerica) es un capítulo perteneciente a la tercera temporada de la serie. Homero resuelve un test aparecido en una revista, y el resultado es que es un mal padre, y llama a un centro de ayuda. En la oficina de este centro encontramos una referencia libre al Hombre de Vitrubio de Leonardo Da Vinci...

Como el famegrabs me resulto de mala calidad, me tome la libertad de redibujarlo (me demoré un siglo porque no tenia mucho tiempo, XD, ademas que estaba fuera de práctica con el illustrator) y el resultado es más o menos el que presento abajo:

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Leonardo incluyó en su dibujo las explicaciones de Vitrubio:

"Es imposible que un templo posea una correcta disposición si carece de simetría y de proporción, como sucede con los miembros o partes del cuerpo de un hombre bien formado.”

En un hogar debe existir igualmente una correcta simetria en cuanto a sus componentes, como se nos demuestra en la serie:

La Maleta representa la responsabilidad del padre con su familia.
La cometa puede representa claramente la parte lúdica: el entretenimiento; pero yo quisiera verlo como el no perder el "espiritu de niños", a pesar de que el tiempo pasa y nos hace madurar como el viento que eleva más y más la cometa.
El guante de beisbol representa claramente una de las actividades entre padres e hijos más comunes en EE. UU. lo que seria el de compartir con los hijos y la familia.
Por ultimo que el padre y el niño se cojan de la mano es claramente un signo de amor.

El Hombre de Vitruvio. Part II

2008-07-03T23:39:00.001-07:00

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Mom and Pop Art, llamado "Arte de mamá y papá" en Latinoamérica, es un episodio perteneciente a la Temporada N°10 de la serie animada Los Simpsons.

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En una de las escenas vemos que Homero se duerme en el museo y sueña que las obras de arte lo atacan entre ellas El Hombre de Vitrubio.

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Cuando Leonardo Da Vinci realizo el esquema del Hombre de Vitrubio "Trataba de vincular la arquitectura y el cuerpo humano, un aspecto de su interpretación de la naturaleza y del lugar de la humanidad en el "plan global de las cosas".

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En el caso de Homero en este episodio: él intentaba armar una parrilla, cosa que no pudo pero por casualidades una critica de arte llegó a considerarlo como Arte; entonces Homero pensó que cualquier cosa que incluyera herramientas podia considerarse arte, lo que en otras palabras él no encontró un verdadero "plan" para lo que realizaba.
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A continuación dejo la secuencia donde aparece la referencia:

El Hombre de Vitruvio.

2008-07-03T23:35:00.000-07:00

El Hombre de Vitruvio es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1492 como ilustración para un libro sobre las obras de Vitrubio (Marcus Vitruvius Pollio) arquitecto romano del siglo I a.c.

Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas.

Este dibujo representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo humano (por ejemplo, la proporción áurea). Para Leonardo, el hombre era el modelo del universo y lo más importante era vincular lo que descubría en el interior del cuerpo humano con lo que observaba en la naturaleza.

Ahora encontramos al no tan perfecto Homero, y su divina proporcion.. una lata de cerveza, con algo de comer, un hotdog y el control de la tv y su gran donna. Todos estos elementos representan su universo.

La Creación de Adan. Part IV

2008-07-03T23:25:00.000-07:00

Encontramos en el episodio 35 de la segunda temporada, llamado Blood Feud (Sangre nueva), una nueva adaptacion a la obra La Creación de Adán del pintor italiano Miguel Angel (ya antes habiamos comentado sobre las versiones de Bart y Mr. Burns).

Esta nueva referencia es más libre que sus anteriores, porque no se sujeta estrictamente a los personajes de la obra original. En esta nueva escena no aparece un Divinidad, ni un cortejo acompañante, y no hay por supuesto un Adán, aqui lo que podemos apreciar son los personajes de una Ama de Casa, y un Cartero rodeado de una jauria de perros rabiosos, emulando la pose clasica de La Creación de Adán.

Sobre la obra original se dice:

"Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible".

Hacer el paralelo con la version de la Serie, basandonos en esta frase no es tan complicado, en vista de que es un chiste conocido que el cartero siempre es atacado por el perro de la casa, es como un iman, “llega envuelto en turbulencias que el mismo ocasiona”, (involuntariamente o no, quien sabe XD).

La Imagen del cartero se encuentra como frontis de la oficina postal, y representa las dificultades que atraviesa este servicio para cumplir con su objetivo, los perror furiosos, el mal clima: el cartero es electrocutado por un rayo, y claro las regiones de dificiles accesos, notese que esta nevando y el camino por lo tanto se vuelve muy dificil de transitar.

En el ama de casa que recibe su correo, es facil apreciar la desgana y debilidad con que levanta su mano para coger la misiva, como indiferente a todas las dificultades que ocasiono que la carta llegue a su destino. Algo propio del ser humano, que es indolente a las penalidades de otros para cumplir con algo o alguien.

Joan Miró

2008-07-03T21:42:00.000-07:00

En el episodio Lisa, La Simpson, de la novena temporada, se centra basicamente en el problema del "Gen Simpson", Lisa esta convenciendose de que este gen es el culpable de que este perdiendo parte de su intelecto, por eso decide ir al museo a darle el ultimo alimento a su cerebro.

En el museo se queda admirando una pintura de Joan Miró, lo que me parece un poco paradojico porque con respecto a este pintor español, maestro de expresionismo se dice que:

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"Era conocido por su afinidad al automatismo y promovió el uso del ayuno, el insomnio y las drogas psicoactivas, para inducir estados de alucinación, que llevasen a crear arte que revelara el subconsciente".
Por lo que resulta curioso que Lisa seleccione una obra de él, para "la ultima cena a su cerebro".
Lisa le comenta al guardia del museo con respecto al cuadro:
"Oh, Kenny mira la interacción de luz y sombras, es tan luminoso y vibrante!"

Me pase varias horas tratando de averiguar como se llamaba la pintura pero no lo he descubierto, si alguien sabe el nombre puede dejar un comentario!